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En apprendre plus sur Plural

Plural célèbre le meilleur de l'art contemporain au Canada. Auparavant la foire Papier, Plural est organisée par l’Association des galeries d’art contemporain. L'édition 2025 a accueilli 44 exposants en provenance de 7 villes canadiennes.

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Par la suite, dans la deuxième moitié de son existence, d’autres projets de l’AGAC ont suivi cette lancée. Notamment, dès 2007 sous la direction de Matthieu Gauvin, alors directeur de l’AGAC, la foire Papier s’est imposée comme un événement phare au fil de ses 15 éditions, avant de prendre le nom de Plural, qu’elle porte aujourd’hui. En effet, l’AGAC a continué à évoluer et à se développer à travers de nombreuses autres initiatives telles que le Gala des arts Visuels (2011-2014), le contrat type entre l’artiste et sa galerie avec le Regroupement des artistes en arts visuels (2012-présent), Feature: Contemporary Art Fair à Toronto (2014-2015), *Collectionner - le guide* (2016-2017), le Forum Marché de l’art (2019), la campagne *Retrouvez l’art d’ici* (2021), et plus récemment, Galeries Weekend (2021-présent) et la foire Plural (2023-présent). 

Rhéal Lanthier, propriétaire de la galerie montréalaise Art Mûr, membre de longue date, et président du CA de l’AGAC entre 2007 et 2013, croit que c’est à force de bâtir un public pour ces projets que l’Association a pu assurer le succès et la notoriété qu’elle connaît aujourd’hui: « Le dynamisme que l’Association a su injecter dans le marché, en créant des nouveaux·elles collectionneur·euse·s et un intérêt pour la collection avec plusieurs projets éducatifs, c’est ce qui fait que Plural va bien aujourd’hui. [...] Parce qu’un public a été développé pendant des années. » Il précise que l’union fait la force dans ce contexte aussi: « Le marché de l’art c’est en général des petites entreprises, [...] alors leur poids, leur capacité de promotion est limitée. [...] C’est seulement en se fédérant ou en travaillant en collaboration qu’on arrive à créer des projets qui arrivent à obtenir une couverture médiatique, une présence sur la scène locale. »


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D’autre part, au fil des années, l’AGAC a travaillé fort dans l’ombre en fédérant ses membres selon un code de déontologie rigoureux qui vise à assurer l’éthique et la qualité de chaque galerie. De plus, l’Association remplit son mandat en faisant du lobbying pour représenter ses membres auprès des instances gouvernementales et des institutions connexes, afin de défendre leurs intérêts, obtenir des financements, mieux soutenir les métiers de galeriste et d’artiste, de même que favoriser la reconnaissance et la vitalité du marché de l’art contemporain. Julie Lacroix rappelle que « c’est important d’avoir un porte-parole, un défenseur des intérêts de tous les secteurs, parce qu’on en a besoin pour faire connaître notre mission et notre vision. »



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Regroupant aujourd’hui 34 galeries à travers le Canada, notamment à Montréal, Québec, Ottawa, Toronto, Halifax et Vancouver, l’AGAC demeure un organisme à but non lucratif qui a pour but de défendre les intérêts moraux et économiques de ses membres, assurer la reconnaissance et la prospérité du marché de l’art contemporain au Canada ainsi que sensibiliser le public à l’art contemporain. En regardant vers l’arrière, Lorraine Palardy remarque que « la vision de l’AGAC semble porter fruit, et elle n’est pas trop éloignée du mandat initial: rejoindre les gens, le plus grand public possible, supporter les galeries, supporter les artistes ». 


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## Pour en savoir plus sur son histoire, visionnez sur notre chaîne Youtube la table ronde *40 ans de l’AGAC: réflexions et perspectives* ou abonnez-vous aux réseaux sociaux et à l’infolettre AGAC pour d’autres clins d'œil au passé! 

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## L’Association des galeries d’art contemporain (AGAC) célèbre en 2025 son 40e anniversaire, marquant quatre décennies d’engagement dans la défense et la promotion de l'art contemporain.

Au centre de la mission de l’AGAC est la représentation de ses membres - toutes des galeries d’art contemporain commerciales canadiennes - ce qui va de pair avec ses mandats de défense de la prospérité du marché de l’art contemporain, de sensibilisation du public autour du milieu des arts actuels ainsi que de contribution au rayonnement de l’art contemporain tant au Canada qu’à l’international. 

À l’origine l’Association des galeries d’art contemporain de Montréal (AGACM), elle a été fondée en 1985 par une vingtaine de directeur·ice·s de galeries montréalaises dans le but de chercher des solutions à leurs difficultés communes ainsi que de constituer une force qui puisse exprimer ses besoins et agir dans la cohésion. Lorraine Palardy, fondatrice des Impatients, galeriste, Chevalière de l’Ordre national du Québec, et ancienne présidente du Conseil d’administration de l’AGAC souligne l’importance de la solidarité dans le milieu: « On a essayé d’ouvrir cette association avec d’autres avenues, en se solidifiant avec d'autres partenaires. Il y avait plein de gens autour qui voulaient que l’AGAC réussisse. On sentait la volonté des artistes et des galeries. »

C’est ainsi que l’AGAC s’est rapidement imposée comme acteur important du milieu des arts visuels, de même que du marché de l’art canadien, avec des initiatives majeures comme la première expo-foire dédiée à l’art contemporain au Canada, L’Entrée libre à l’art contemporain (1987-1993), le *Magazine ETC* (1987-1992),  la Foire d’art contemporain (1994), le Prix Louis-Comtois (1991-présent), le Prix Pierre-Ayot (1996-présent), *Peinture Peinture* (1998), *Intersections Montréal-Toronto* (2000), Le Salon du Printemps (2002-2004) et beaucoup plus encore. Isabelle Lelarge, qui a dirigé l'Association entre 1988 et 1990, soutient que c’est à travers ces projets que l’AGAC a pu déployer ses ailes: « La qualité de ces événements a permis, chaque fois, de faire émerger une scène artistique très vivante, riche et très créative. » En effet, Julie Lacroix, qui a assuré la direction pendant plus d’une dizaine d’années, remarque c’est de cette manière que s’est déclinée la mission de l’AGAC: « On a choisi d’étendre le rôle de porte-parole du secteur pour non seulement couvrir leurs intérêts commerciaux, mais aussi élargir les publics par rapport à son offre, qui est l’art, donc éduquer, démocratiser, faire de la promotion. »


40e anniversaire de l’AGAC: Une rétrospective

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Voici quelques raisons qui pourraient motiver les gestionnaires et les compagnies à collectionner: 

## Soutien aux artistes 
L’achat des œuvres d’art par les entreprises québécoises représente un pourcentage important des transactions d’acquisition annuelles, certaines années s’élevant presque à celui des institutions muséales. De cette manière, les entreprises contribuent à diversifier le financement des arts en multipliant les sources, garantissant ainsi une plus grande indépendance aux artistes. 

En effet, grâce à la création d’une politique d’acquisition et l’élaboration de grandes lignes directrices, les entreprises collectionneuses affirment leur soutien au marché de l’art et se dotent d’outils pour favoriser cette relation avec les artistes. En fixant un nombre moyen d’acquisitions par année ou un montant alloué aux achats d’œuvres d’art annuellement, elles se portent garantes de la vitalité du domaine artistique et démontrent leur soutien aux créateur·ice·s d’ici. 

## Préservation du patrimoine 
Les collections d’entreprise enrichissent également le patrimoine culturel, de par leur soutien des artistes locaux·les, mais aussi par la préservation des arts actuels. Elles garantissent la pérennité des œuvres en veillant à leur exposition et leur diffusion dans un cadre à la fois privé et public. En collectionnant des œuvres contemporaines, les entreprises aident à conserver et mettre en lumière l’héritage artistique au fil du temps. 

De plus, même si plusieurs entreprises garderont leurs œuvres d’art pour la postérité, d’autres – en raison d’un grand nombre acheté au fil du temps et faute d’espace – devront parfois se départir d’œuvres pour éviter que celles-ci ne s’entassent dans les réserves. Plusieurs décident alors de faire des dons aux institutions muséales et aux encans-bénéfices, contribuant ainsi à la conservation et la prospérité de l’histoire de l’art canadienne. 

## Représentation de l’identité et des valeurs 
Une collection représente l’ensemble des œuvres d’art achetées par une compagnie et se distingue par son unicité d’une entreprise à l’autre. Elle s’affirme, se consolide et prend de l’expansion au gré des acquisitions. Les œuvres qui composent la collection sont le reflet d’achats passionnés et engagés. Loin d’être rattachées à une seule fonction distincte, les collections d’œuvres d’art dans les organisations jouent plusieurs rôles: elles peuvent servir à la fois d’objets décoratifs, mais aussi de vecteur de l’identité et des valeurs de l’entreprise. 

Il existe autant de types de collections qu’il existe de modèles d’affaires. Des entreprises achèteront des œuvres d’art par passion et les garderont précieusement dans leurs bureaux. D’autres les montreront fièrement aux visiteur·euse·s et les exposeront dans les espaces communs. Certaines entreprises se serviront des œuvres comme outil promotionnel afin de nourrir leur image de marque. D’autres se donneront comme mandat de soutenir des artistes locaux·les et de collecter un patrimoine visuel représentatif de notre époque.

Bien des entreprises collectionneuses se dotent de comités d’acquisition et de mandats de collection précis dans le but d’orienter leurs achats. Certaines organisations établissent même une politique très pointue entourant un médium, une technique, un sujet ou encore une période artistique afin de s’assurer que les œuvres reflètent les valeurs intrinsèques de la compagnie.


 

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## Bienfaits sur les employé·e·s
Selon plusieurs études, les impacts positifs sont nombreux et peuvent se retrouver sous les formes suivantes :
- Facilite les interactions sociales ;
- Suscite des réponses émotionnelles ;
- Facilite les rapports entre les employé·e·s ;
- Améliore l’environnement de travail ;
- Promeut l’apprentissage sur les œuvres.

En effet, les œuvres d’art nouvellement installées dans l’environnement de travail sont susceptibles d’encourager des interactions sociales entre les employé·e·s. Peu importe la nature de ces discussions et interactions, elles créent un climat propice aux échanges ayant pour thème les œuvres d’art. La présence d’œuvres d’art dans un milieu professionnel peut également augmenter l’intérêt des employé·e·s envers celles-ci dans un contexte autre. Si un employé aime côtoyer une œuvre, ce dernier peut aller jusqu’à chercher davantage d’information sur l’artiste et sa démarche, ou encore à se déplacer en galerie
ou au musée pour admirer d’autres pièces faites par ce même artiste.

Ces bienfaits peuvent être amplifiés par une médiation et une promotion auprès des employé·e·s comme du grand public, telles que le prêt d'œuvres dans le cadre des expositions dans une institution muséale, la publication d’un catalogue des œuvres de la collection, des visites guidées ouvertes à tous·tes, ou autres. 

## Avantages fiscaux 
Les entreprises collectionneuses bénéficient d’avantages fiscaux considérables dans
l’amortissement de l’achat d’œuvres d’art au niveau du gouvernement du Québec.

Pour toute œuvre acquise dans le but de l’exposer dans son lieu d’affaires et dont l’artiste est citoyen·ne ou résident·e canadien·ne au moment de la création du bien, l’entreprise peut amortir annuellement 33,3 % du coût de l’acquisition sur une base résiduelle. Les médiums admissibles sont les suivants : estampes, gravures, dessins, tableaux ou toute autre œuvre de même nature dont le coût est supérieur à 200$.

Dans le cadre d’un don à une institution muséale, il y a également des allégements fiscaux notables qui s’offrent aux compagnies. Pour comprendre tous les avantages financiers réservés aux entreprises quant à l’achat d’œuvres d’art, et ceux qui s’appliquent à chaque situation singulière, s’il-vous-plaît renseignez-vous auprès d’un·e comptable. 


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Pour en apprendre plus, n’hésitez pas à poser des questions aux expert·e·s du milieu, notamment des galeristes, qui pourront vous guider vers des réponses plus spécifiques. 



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## En parcourant la foire, vous avez peut-être remarqué des indications d'acquisition à côté de certaines œuvres, mentionnant qu'elles ont été achetées par une institution muséale ou par une entreprise, faisant dorénavant partie de leurs collections respectives. 

## Mais vous êtes-vous déjà demandé : *pourquoi les entreprises choisissent-elles d'acheter des œuvres d’art ?* Bien que l’art ne fasse pas partie de leur mission première, une collection peut apporter de nombreux bienfaits directs à l’ensemble de l’entreprise. 


Pourquoi les entreprises collectionnent-elles des œuvres d’art? 

### Journal de réflexions sur l’imaginaire sans fin

### Le moulin tourne. Il est le témoin du mouvement perpétuel de la pensée et de la transformation de la matière. Avec son cycle répétitif, il crée un tourbillon d’air et de poussière, une spirale de farine, un flot infini de possibles. 

*Sarah, le 15 décembre 2024 :*  

Admettons que l’imaginaire humain n’a pas de fin connue, qu’il n’y a pas d’épuisement possible, mais plutôt une multiplication infinie d’idées qui crée des mondes imaginaires propres. Chaque créateur et créatrice peut, en ce sens, créer ses propres règles et bâtir ses lois à l’intérieur même d’un espace pensé. Les limites du temps et de l’espace n’existant pas dans le vortex imaginarium, les artistes peuvent envisager l’irrationnel et l’impossible. Sans contraintes physiques ou logiques. 

Disons de l’imaginaire qu’il est un espace pur, de liberté, ou l’inconcevable et le fantastique peuvent cohabiter sans aucun obstacle, au-delà des lois de ce qui a déjà été vu. Cet espace libre n’a pas à représenter le monde tel qu’il est perçu. Tout un chacun est libre de pousser l’impulsion à l’infini, et c’est d’ailleurs ce qu’ont fait nos amis et amies artistes surréalistes qui floutent les frontières entre le réel et le mythe. 

Il est alors permis de se demander si l’artiste crée un monde imaginaire structuré par des lois, des cycles, des séries, des modèles, et si ce monde dépasse la pensée humaine. De quelle manière cet imaginaire peut-il exister, et bien au-delà de la pensée qui l’a initié; à l’infini? D’autant plus dans une œuvre qui sera vouée à être montrée à un public d’individus différents, ayant la capacité de créer des imaginaires variés. Une résonance des œuvres qui étend ce monde imaginaire initial à un monde imaginaire partagé et repris par les individus consommant l’œuvre. 

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*Manon, le 20 décembre 2024 :*

On comprend que les artistes s’inspirent de leur environnement pour créer : ils sont mus par leurs craintes face au monde actuel, par la souffrance, par la beauté, par leurs origines. Ils empruntent des symboles, des codes ou des iconographies provenant d’époques diverses et de ce qu’ils vivent et voient au quotidien. Jumelées à leur imaginaire, leurs créations s’inscrivent alors dans un univers sans fin et métaphorique. Ce dernier devient un refuge qui leur est propre et dans lequel ils se sentent bien et libres de toute contrainte. 

Cet univers se compose à la foi de contrastes qui s’opposent et s’attirent dans une immensité de possibilités tangibles et intangibles, alliant la matérialité et l’immatérialité, et qui sous-tendent tout concept à la base de leur démarche artistique : 

### Le vu et le non-vu 
### Le plein et le vide 
### L’attraction et la répulsion 
### La fragilité et la dureté 
### Le rêve et la réalité 
### L’équilibre et le déséquilibre 

L’artiste crée en fonction de ce qu’il ou elle souhaite transmettre au public spectateur et/ou regardeur. Il ou elle construit son imaginaire à partir d’un ressenti provenant de son vécu personnel (devant l’évolution de l’humanité, face à l’histoire, la science, la maternité, la peur de l’autre, les avancées technologiques, la construction des rêves, etc.) qu’il ou elle partage avec autrui. Ce vécu place l’individu au cœur de cet imaginaire (artiste et public) et au cœur du processus de création. L’ensemble de ces ressentis, à la fois matériel et immatériel, visible et invisible, forme un tout, une succession d’images sans fin, ou il n’y pas d’espace-temps et où ce dernier devient infini. 

Découvrez l'exposition d'art émergent *Et si les moulins tournaient sans ne jamais s’arrêter*, fruit d’un commissariat collaboratif entre Loto-Québec et artch, au kiosque P05, situé au Pavillon de la foire Plural, du 11 au 13 avril prochain.

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Les artistes : 

**Kelly Davis** explore l’univers mystique de l’imaginable, où l’abondance et l’expansion infinies règnent. À travers ses peintures abstraites, elle crée des portails vers une réalité invisible, mais profondément ressentie, offrant un espace de résonance personnelle et collective. Son travail s’inscrit dans un dialogue continu, activé par l’engagement du spectateur et nourri par un échange intuitif qui dépasse le langage. 

**Gabor Bata** dessine et peint des personnages tirés de son imaginaire, qui tentent mais échouent systématiquement à communiquer et à se connecter. Il crée des scènes colorées et voluptueuses qui captent l’attention. Il est influencé par son amour du cinéma, de l’animation, de la bande dessinée et du design. 

**Alfred Muszynski** considère son travail comme une recherche, « un réseau d’idées avant tout ». Les codes et les iconographies du passé et du présent s’entrelacent dans ses œuvres. Il joue avec le réel et le mythe sous forme de casse-tête. Un réseau de références symboliques, où chaque toile trouve sa place dans le système que l’artiste a construit.

**Alex Pouliot** cherche à réhabiliter la magie de l’art en explorant les forces invisibles qui façonnent l’apparence des choses et le parcours identitaire de l’individu. Souvent en dialogue avec des lieux spécifiques, son travail interroge l’influence de la suprématie culturelle occidentale dans les médias de masse et son rôle dans la construction et la colonisation des imaginaires collectifs. 

**Judith Berry (Collection Loto-Québec)** : « Ce petit tableau est l’une de mes nombreuses tentatives de condenser le paysage dans une surface qui semble manipulable. Les chemins sinueux en spirale évoquent une forme imposante, semblable à une colline. Pourtant, la surface peinte demeure opaque, chaque geste s’y inscrivant directement. L’image suggère de vastes étendues, tout en prenant l’apparence d’un objet tangible ou d’une partie du corps. Cette œuvre s’inscrit dans une démarche de plusieurs décennies visant à fusionner les genres du paysage, de la nature morte et du portrait. Je me confronte à la notion de paysage, à notre rapport à l’environnement et à la manière dont ses transformations nous affectent. » 

**Mélanie Dumas** explore la matérialité en investissant l’espace, le plein et le vide, pour faire émerger de nouvelles géométries. Son travail interroge la notion de paysage à travers des formes inspirées des structures vivantes et synthétiques qui le composent. Entre fragilité et robustesse, immobilité et mouvement, elle choisit des matériaux bruts pour révéler leurs propriétés et leur temporalité. Intégrant des systèmes actifs, elle crée des sculptures qui reproduisent des phénomènes naturels à petite échelle, interrogeant ainsi notre relation à l’Anthropocène.

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Par Manon Pouliot, Responsable de la Collection Loto-Québec, et Sarah Kitzy Gineau Delyon, directrice de artch




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